芭蕾舞的四大审美原则

任何舞种都需要经历芭蕾舞基训。因为身体素质的好坏对舞者来说非常重要，对年龄的增长、肌肉、韧带、身体的控制力都会减弱，而芭蕾基训却可以帮助解决这个问题。

芭蕾舞的四大审美原则

1、开

芭蕾舞者，均需要从肩、胸、胯、膝、踝五大关节部位，左右对称的向外打开，或向两侧打开，尤其是两脚应该向外打开180度。它的艺术特征主要表现在：延伸身体线条、扩大表现空间、增强运动的灵活、保持身体的平衡、提高艺术性、炫耀贵族的气派。

2、绷

芭蕾舞者，均需将肢体各个部位“绷”起来，尤其是腿脚上的膝关节和踝关节，以及脊椎和颈椎诸关节。才能在观众的视觉中有效地延长肢体原有的线条，产生形体美和肌肉美的审美感觉。

3、直

芭蕾舞者，均需要使背部像门板似的向上挺直，达到健美挺秀的艺术境界。“直”不仅仅是体现在身体的直立，还体现在动态之中的身体保持的直立状态，垂直性是芭蕾舞许多整套动作技巧的主调。

4、立

芭蕾舞者，均需要使头颈、躯干和四肢作为一个整体，在静态的舞蹈时要表现傲然挺立、气宇轩昂的稳重状态，而在动态舞蹈时既要稳重流畅，又要在停止时挥洒有力，稳重如山。

芭蕾舞的造型特点

15世纪早期，芭蕾舞开始拥有专门的服装，在这一时期，面具和服装是舞者在芭蕾演出主要的造型。从1550年起，古典罗马礼服对女舞者的服装设计起了很大的影响。

丝绸裙子的体积变大，领口和腰线的位置以及发型基于日常款式而设计，仅对关键细节进行夸张处理。男舞者的服装受到了罗马盔甲的影响，典型色彩包括暗铜色、褐红色和紫色。

从16世纪开始，芭蕾表演经常在游行庆祝活动、假面舞会中进行， 舞台服装奢华、繁复，制作成本也非常昂贵。这一时期男舞者基本的服装是紧身的，穿着锦缎胸甲和羽毛装饰的头盔。

女舞者则是身穿多层刺绣的丝绸紧身衣服，配以流苏。这一时期，芭蕾舞鞋是系带的高坡跟靴子，并不利于做太多复杂的动作。

到了17世纪，丝绸、刺绣面料，以及黄金和宝石开始被使用到芭蕾舞服饰当中。女演员的标准服装基本保持了原来的形制， 而男性舞者的服饰则发展成为一种制服的样式，上面带有符号性质的装饰来表示角色或职业，例如，用剪刀的装饰来代表裁缝。

芭蕾舞的服装形制日渐丰富自由，服装既要为表演者的各种肢体动作提供最大的可能，同时又要能够最大限度地利用不同舞蹈动作来充分体现服装的动态美， 使人物形象更精练更典型。

芭蕾舞的舞蹈格式有哪些

1、独舞

独舞，是由一个人表演以足尖站立跳舞，并结合跳、转等技巧，有一套完备的训练体系的舞蹈形式，如《维斯特里夫人》等。

2、双人舞

在芭蕾舞剧里，双人舞往往是男女主人公表演的核心舞段，常常包含了各类芭蕾技巧的巧妙组合，比如女演员连续不停地三十二圈单足旋转，男演员各种复杂的空中变体腾跃等。代表作品包括《吉赛尔》《睡美人》等作品中的双人舞。

3、群舞

群舞，即三人以上、人数不等的多人舞。群舞的画面、构图多变，要求表演者动作整齐，风格统一，配合默契，因而具有丰富的艺术表现力，如芭蕾舞剧《天鹅湖》中的天鹅舞。在芭蕾群舞中，群舞者虽然舞步较简单，但每一位群舞者都非常重要，只要有一人乱了脚步，整体的画面将被影响。